Kunsten at lytte til sig selv

English below☟

”Jeg lytter aldrig til mig selv – jeg hader det simpelthen!” – svarer de flest med et chokeret udtryk i ansigtet. Som om bare dét at foreslå dem idéen er helt absurd. Se, dét ville være en underlig reaktion hvis ikke den var så normal: det er de færreste musikere, som lytter til sig selv på optagelse, hvad enten det er lyd eller video – også selv når de spiller bedst, eller er en af de helt store guruer indenfor musikkens verden. De hader det som pesten: ”At lytte til mig selv er jo som den reneste tortur, det vil jeg simpelthen ikke udsættes for.”   Det er ikke fordi, jeg forventer, at alle sætter deres indspilninger og koncertoptagelser på højttalerne mens de laver aftensmad derhjemme. Men det er underligt at tænke på, at vores yndlingsalbummer af fx Zimerman og Goode, som bliver elsket af så mange musiske ildsjæle i verden ikke bliver modtaget på samme måde hos kunsterne selv, for slet ikke at tale om når vi selv spiller til koncerter og publikums bifald bekræfter, hvor velmodtaget det er, men vi alligevel kun kan høre alle svipserne og fejlene.   Måske er det fordi, man indser, at dét der kommer ud af instrumentet, ikke er helt som vi forestillede os – ligesom når vi hører vores egen stemme på optagelse. Det lyder fuldstændig anderledes, og man tager sig selv i at tænke, ”Er det virkelig mig? Lyder jeg virkelig sådan?” Eller måske er det for ikke at begrænse vores kreativitet, hvis vi hører en optagelse fra nogle år tilbage og sammenligner med, hvem vi er i dag. Eller endnu værre: ”Jeg spillede bedre dengang…”   Uanset se hvad det er, som spænder ben for os, kan vi ikke komme udenom det faktuelle: at lytte til os selv er hårdt, men samtidig er det også enormt sundt og givende. Selvom optagelsen ikke fanger det hele 100%, kan vi stadig få et ærligt billede af, hvordan det klinger ud i rummet. Desuden er det et godt redskab at bruge til at evaluere på dig selv. Du kan lytte til dit spil dagen efter, hvor du ikke er så dømmende som i situationen lige nu og her. Du kan lytte og genopdage dine aha-oplevelser fra timer, masterclasses eller koncerter, hvor du lige har fanget det rigtige flow eller fået en ny musikalsk idé. Disse øjeblikke kan du forevige på bånd og tage frem når som helst – og netop derfor, er det noget, vi alle burde tage at gøre lidt mere.   Men hvordan kan man lære at lytte til sit eget spil uden at blive deprimeret over alle de ting, som kunne være bedre? Svaret er meget enkelt: du lytter objektivt til det. Ligesom hvis det var en af dine elever, som spillede for dig. Hvad ville du så sige til eleven? Det siger sig selv, at du selvfølgelig vil rose eleven for alle de tekniske og musikalske idéer, som fungerede under gennemspilningen. Dernæst vil du kommentere på de ting, som eleven bør arbejde videre med samt give konkrete eksempler på hvordan det skal øves. Al den feedback du giver, vil være konstruktivt og sagt på den måde, der fokuserer på det spillemæssige udtryk og ikke det personlige. Derfor er det selvfølgelig samme model, du skal følge, når du skal komme med konstruktivt kritik til dig selv.   Synes du stadig, det er svært? Så prøv at følg min afkrydsningsliste:

1. ”Alvorlige” fejl

Huske/memoreringsfejl? Forkert indsats? Forkerte noder/akkorder?

2. Tempo

For hurtigt? For langsomt? Tilpas? Løber jeg i tempoet?  

3. Klang

Klinger det nok, generelt? Er klangen for direkte? For hårdt? For blødt? For skingert? For mudret og utydeligt? Perfekt? For non-legato? For staccato? Er det legato og syngende nok?  

4. Balance

For meget bas eller diskant? God balance i akkorder? Tydelig melodi og akkompagnement? Fugeret stemmer?  

5. Dynamik

Hvordan er dynamikkerne i forhold til den sal, jeg spiller i? For stor/lille forskel? Hørbar forskel mellem mikrodynamikkerne, fx mp, p og pp? Bygger jeg nok op til klimaks?  

6. Overgange

Er de sammenhængende mellem fraserne? Mellem de større afsnit? Lytter jeg fraserne færdige inden jeg starter på noget nyt? Fanger jeg klangen ved overgangene, der hvor jeg skal? Er der noget, der lyder meget brat eller abrupt?  

7. Karakter

Er der forskelle nok i udtrykkene? Får jeg de rigtige karakterer frem? Er der noget, jeg kan over-/underdrive? Hvordan er atmosfæren og stemningen?  

8. Helhedsindtryk

Helt overordnet, hvordan lyder stykket? Får jeg dét frem, jeg vil eller forestiller mig? Hvordan ser jeg ud ved instrumentet? Er der noget mere scenisk, jeg kan få med? Hvordan ser/hører publikum, hvad jeg laver?     Hav de 8 punkter i baghovedet, når du lytter til din egen indspilning næste gang. Det kan give dig nogle overordnede fixpunkter at fokusere på – og dermed forholder du dig automatisk mere objektivt til dit spil, eftersom du ved, hvad du skal lytte efter og evaluere på. Husk, at selv de store mestre spiller ikke perfekt, så der er intet at være ked af, hvis ikke det lige lyder, som det skal denne éne gang. Jo mere du går ind i det med et objektivt, ikke-dømmende, lærende og nysgerrigt sind, jo mere vil du få ud af at lytte til dine egne indspilninger. Det tager tid at lære, men det er et nyttigt, vigtigt og uundværligt redskab at bruge. Hvem skulle dog have troet, at kunsten at lytte til sig selv kræver så stor en indsats at kunne mestre?

”I never listen to myself – I simply hate it!” – that’s the answer I get when I ask musicians if they ever listen to themselves on recordings. With a chocking face, as if even suggesting the idea was absurd. See, that would be weird if the answer wasn’t so common: it is only a few people who actually do it, whether it is only audio or video – even when they are playing at their best, or if you are one of the biggest gurus within the classical world. They hate it like poison: “Listening to myself is the purest torture, I don’t want to go through that.”   Don’t get me wrong, I’m not expecting you to put on your latest recording or performance on the speakers while you are cooking every night. It is just strange to think that our favorite albums by Zimerman and Goode seem to be so un-loved by the musicians who made them. Not to mention when we are playing concerts and the applause of the audience confirm how well-received it is, but even though we are only hearing all the slips and mistakes.   Maybe it is because we suddenly realize, the sound coming out from our instrument isn’t quite like what we want it to be – like hearing our own voice on a recording. It sounds absolutely different comparing to our imagination – “Is that my voice? Do I sound like this?” Or maybe it is to avoid the block of a performer’s creativity, if the recordings are made a few years back, comparing to who we are today. Or even worse: “I was better back then…”   No matter what the deal is, we can’t avoid the fact: listening to ourselves is really hard, but at the same time it is terrifically healthy and giving. Even though the recording doesn’t capture every sound picture, it gives an honest image of how it is sounding in the room. In addition to that, it is a very useful tool, helping you to evaluate on yourself. You can listen to your playing the day after, when you are not too judging. You can listen and re-discover your aha-experiments from lessons, masterclass or concerts, where you were just in the right flow or have gotten a new musical idea. These moments are immortalized on tape and you can always re-watch or listen to them anytime – and that’s why we all should be doing it a bit more.   But how can you learn to listen to your own playing without being depressed by all the small details you could have done better? The answer is very simple: you listen to it objectively. As it was one of your students playing for you. What would you say to him or her? It goes without saying that you will praise the student for all the technical and musicals ideas that worked during the playthrough. Next, you will comment on the things which didn’t worked out so well and give suggestions on how to practice it. The feedback you give is constructive and focusing only on the expression in the playing and not personal critics. Therefore, you must do the same when evaluating yourself.   Do you still think it is hard? You are very welcome to try my checking list:

1. “Serious” mistakes

Memory slips? Wrong que? Wrong notes/chords?  

2. Tempo

Too quick? Too slow? Just right? Are you running in tempo?  

3. Sound

In general, does it sound enough? Is the sound too direct? Too hard? Too soft? Too shrill? Too muddy and unclear? Perfect? Too non-legato? Too staccato? Is it legato and cantabile enough?  

4. Balance

Too much bass or treble? Is the balance good in chords? Is there a clear difference between melody and accompaniment?  

5. Dynamics

How are the dynamics compared to the hall you are playing in? Too little/big difference? Audible difference between the micro-dynamics, e.g. mp, p and pp? How is the building up to climax?  

6. Transitions

Is it coherent between the phrases? Between bigger parts? Do I listen well enough to the endings of the phrases before starting on something new? Am I catching the sound in the transitions? Something sounding too sudden or abruptly?  

7. Character

Is the difference clear enough? Do I get the right character at the right places? Something I should understate/exaggerate? How is the atmosphere?  

8. Overall impression

In general, how does the piece sound? Does it sound as I imagine? How do I look at the instrument? Is there anything scenic I can think about? What do the audience see when I perform?   Think about these 8 points next time you listen to your own recording. It can give you some general fixpoints to focus on – then you will automatically listen more objectively to your playing, as you know what to listen and comment on. Remember that even the biggest masters don’t always play perfectly, so don’t be too sad if it just doesn’t sound right that one day. The more you embrace it in an objectively, non-judging, learning and curious mind, the more you will get out of this. For sure, it takes time to learn, but it is a useful, important and indispensable tool to use. Who could have known that the art of listening to yourself demands such a big effort to master?